Continúo alterando las calles de Coimbra.
Existen formas "invisibles" que modificadas sutilmente o no tan sutilmente, se transforman en ideas o simples reflejos de mi forma de mirar.
Saludos.
lunes, 12 de diciembre de 2011
miércoles, 7 de diciembre de 2011
ARTES PLASTICAS I
Como parte de mi proyecto final de artes Plasticas 1, estoy fotografiando mis trabajos en las ruas.
estos trabajos se centran en la utilizacion de las sombras de la noche en la ciudad , para crear nuevos espacios y remarcar estos espacios, juego con el espacio y la sombra.
Las sombras fijas, invariables, infinitas, que pueblan la ciudad de coimbra, me hacen reflexionar sobre el espacio, y el tiempo, sobre lo efimero y eterno.
martes, 30 de agosto de 2011
Goteborg
"Pandemonium: arte en tiempos de creatividad febril" es el lema de la sexta edicion de la Bienal de Goteborg, que arrancará el próximo 10 de septiembre.
El lema hace referencia al célebre poema de Jhon Milton "paradise lost" , dedicado a la ciudad creada por Satanas y sus ángeles rebeldes tras su destierro del cielo. En este poema, Milton imagina Pandemonium como un lugar pleno de caos y de confusion, pero lleno tambien de una creciente e innovadora actividad creativa.
Por lo que los proyectos seleccionados para su presentación en Goteborg reflexionaran sobre las turbulencias propias del mundo actual, sobre si esa apariencia de desorden que nos rodea es sólo una sensación o el anticipo del "caos total"; también nos haran reflexionar sobre si van en buena dirección o no las emergencias creativas a las que nos sometemos, trayendo con sigo nuevas sociedades y posibilidades.
Este laboratorio de ideas explorará formas de vida alternativas a las que no nos sirvieron. Se contará con la participacion de cuarenta artistas internacionales entre los que destacan creadores como Francis Allis, Matthew buckingham, Jimmie Durham, Liam Gillick, Florian Hecker, Isaac julien , Jhon Kelli, Ernesto Neto o Tino Sehgal.
He descubierto al artista Matthew buckingham que centra su trabajo en reflexiones sobre nuestras formas de marcar y abarcar el tiempo y sobre los límites de la percepción, en relación con la velocidad de la luz contrapuesta al lento paso del tiempo geológico. Reflexiones muy interesantes.
Y que decir de Francis Allis, que pasea, segun el reconoce, por distintas ciudades del mundo para inspirarse y tomar notas, interviniendo en una historia que inventa, de las ciudades que compone.
"La invencion de un lenguaje va pareja de la invención de una ciudad".
No creo que pueda ir a suecia para disfrutar de esta sexta edición de la Bienal de Goteborg, pero me parece muy interesante lo que se puede exponer ahí. Como lo que debió de cocerse en el Pandemoniun de Milton.
un saludo.
El lema hace referencia al célebre poema de Jhon Milton "paradise lost" , dedicado a la ciudad creada por Satanas y sus ángeles rebeldes tras su destierro del cielo. En este poema, Milton imagina Pandemonium como un lugar pleno de caos y de confusion, pero lleno tambien de una creciente e innovadora actividad creativa.
Por lo que los proyectos seleccionados para su presentación en Goteborg reflexionaran sobre las turbulencias propias del mundo actual, sobre si esa apariencia de desorden que nos rodea es sólo una sensación o el anticipo del "caos total"; también nos haran reflexionar sobre si van en buena dirección o no las emergencias creativas a las que nos sometemos, trayendo con sigo nuevas sociedades y posibilidades.
Este laboratorio de ideas explorará formas de vida alternativas a las que no nos sirvieron. Se contará con la participacion de cuarenta artistas internacionales entre los que destacan creadores como Francis Allis, Matthew buckingham, Jimmie Durham, Liam Gillick, Florian Hecker, Isaac julien , Jhon Kelli, Ernesto Neto o Tino Sehgal.
He descubierto al artista Matthew buckingham que centra su trabajo en reflexiones sobre nuestras formas de marcar y abarcar el tiempo y sobre los límites de la percepción, en relación con la velocidad de la luz contrapuesta al lento paso del tiempo geológico. Reflexiones muy interesantes.
Y que decir de Francis Allis, que pasea, segun el reconoce, por distintas ciudades del mundo para inspirarse y tomar notas, interviniendo en una historia que inventa, de las ciudades que compone.
"La invencion de un lenguaje va pareja de la invención de una ciudad".
un saludo.
domingo, 28 de agosto de 2011
Los JMJ, gratis al Museo del Prado
Se que han pasado ya unos días, pero una noticia que he descubierto recientemente, ha revivido en mi la indignación causada por todo lo que ha rodeado la visita del papa a Madrid.
Miles de católicos invadieron la ciudad para acudir al la Jornada Mundial de la Juventud, evento organizado por la Iglesia Catolica para reunir a los jóvenes católicos de todo el mundo. El nombre elegido para el evento ya fastidia, hace que el resto de jovenes no afines al catolicismo se plantee su condición de joven y la pertenencia a este mundo.
No quería hablar del despropósito económico ni de las razones del evento, ni si quiera del fanatismo que conlleva algo semejante.
Me gustaría solamente añadir la actuación del Museo del Prado en todo esto, que anunció que la entrada sería gratuita para todos los participantes del JMJ, cuando a día de hoy el resto de mortales, incluyendo a los estudiantes de Bellas Artes tienen que pagar por ver a Caravaggio en Madrid.
La causa directa de este hecho se debe al prestamo de los Museos Vaticanos al Prado de una importante obra de Caravaggio, "el descendimiento". Me parece injusto que den mas importancia al el interes de un catolico por ver una obra de Caravaggio, que al interes que pueda tener el restro de la humanidad.
Estoy realmente indignado.
Miles de católicos invadieron la ciudad para acudir al la Jornada Mundial de la Juventud, evento organizado por la Iglesia Catolica para reunir a los jóvenes católicos de todo el mundo. El nombre elegido para el evento ya fastidia, hace que el resto de jovenes no afines al catolicismo se plantee su condición de joven y la pertenencia a este mundo.
No quería hablar del despropósito económico ni de las razones del evento, ni si quiera del fanatismo que conlleva algo semejante.
Me gustaría solamente añadir la actuación del Museo del Prado en todo esto, que anunció que la entrada sería gratuita para todos los participantes del JMJ, cuando a día de hoy el resto de mortales, incluyendo a los estudiantes de Bellas Artes tienen que pagar por ver a Caravaggio en Madrid.
La causa directa de este hecho se debe al prestamo de los Museos Vaticanos al Prado de una importante obra de Caravaggio, "el descendimiento". Me parece injusto que den mas importancia al el interes de un catolico por ver una obra de Caravaggio, que al interes que pueda tener el restro de la humanidad.
Estoy realmente indignado.
Continuando con el proyecto de "rastros".
Algo que no comente en la otra entrada que habla de mi proyecto personal, son mis referentes artísticos, entre los que destaco a Francis Allis con sus intervenciones, y a Marc Augé al introducirme en el termino de los no lugares.
Reconstruimos imaginariamente los lugares recordando lo que sentimos al pasar por ellos.
Me intento acercar mas al espectador, al transeunte, intentando cambiar de alguna forma lo que este siente al pasar por los lugares y espacios de la ciudad que trato. Esto lo he hecho mediante la representación de limitaciones en el suelo que nos representan como individuos dentro de nuestra sociedad.
He construido espacios o barreras(siempre dibujadas en el suelo), que hacen referencia a lugares que evitar, u obstáculos, de esta manera el transeunte se planteará su camino, rodeando una mancha en el suelo, o siguiendo una línea que trazaré en el mismo; hacer caso o no de mis alteraciones hará que su rumbo o su percepción del camino cambie de alguna manera.
Así, represento tanto los limites impuestos por nuestra sociedad, como los que uno mismo se impone al caminar; estos son los que evitan distraerse del objetivo final de un camino, que suele ser la llegada.
Sigo utilizando la tiza para crear los limites y espacios. Como con una simple línea puede afectar al transeúnte como si de una pared se tratase, o no, depende de la concentración que cada uno lleve en sus pasos.
La tiza es un material con el que trabajo mucho por su simple composición, que no es mas que la de polvo apretado, la levedad del material y la carga visual que tiene su uso no parece estar compensado, a pesar de lo efímero que resulta este en la vía pública, en la intemperie.
Al ser un material que remite a la enseñanza, creo que subconscientemente puede evocar un sentimiento de respeto, a la vez que de juego.
Las alteraciones que realizo, no me sirven para recrearme estéticamente, son puras señales, líneas que se juntan o que acaban para decir algo.
Además de la tiza, he utilizado harina con el mismo gesto, haciendo mas visible mi trabajo, efímero de igual modo.
Por otra parte, el resultado, y el documento fotográfico que presento, las modificaciones en la calle, pueden verse, desde lejos como una practica estética de forma individual, ya que su formación ha sido la del dibujo, la línea, y tanto lo que representan como la sencillez del trazo, es gustoso de ver.
MIS INTENCIONES:
La creación de espacios nuevos en lugares públicos es algo que esta al alcance de todos, y a la vez parece una misión imposible para muchos dentro de nuestro sistema, ya que parece que al crear un espacio este tenga que pertenecer a alguien. Lo que trato es de crear contra espacios, no son espacios para estar, sino mas bien para no estar, para evitar, o para no ser evitados, pero siempre con ánimo de “paso”.
Mantengo la idea de que mi trabajo se realiza en un lugar público, “de todos”, jugando con la idea de lo público y de lo que no lo es. ¿Si la calle es pública, podemos retocarla? Esta pregunta hace replantearme hasta que punto uno puede sentise cómodo en la calle.
Si la calle es de todos, también es mía, y estoy en el derecho de jugar con ella e intentar que la gente juegue con migo o con la calle, ya que mi trabajo se centra en retocarla para que la gente cambie su percepción.
La creación de espacios hace que el lugar cambie, y que posiblemente nadie vea de la misma manera ese suelo liso y sin alteraciones, cuando mi trabajo se borre por el simple paso del tiempo.
Solamente cambio el espacio de manera visual, no propongo nuevos olores para determinados sitios, ni construyo obstáculos materitos, solo doy una apariencia distinta a la calle por la que pasa la misma gente todos los días.
Otra intención que me planteo con este proyecto es la de delimitar zonas sin crear verdaderos espacios, tan solo dividiendo el espacio público. Ni para unos ni para otros, para todos, pero de forma distinta.
La conquista de espacios como práctica estética y actividad moral.
Espero que os guste, y podáis criticar mis prácticas.
un saludo.
Algo que no comente en la otra entrada que habla de mi proyecto personal, son mis referentes artísticos, entre los que destaco a Francis Allis con sus intervenciones, y a Marc Augé al introducirme en el termino de los no lugares.
Reconstruimos imaginariamente los lugares recordando lo que sentimos al pasar por ellos.
Me intento acercar mas al espectador, al transeunte, intentando cambiar de alguna forma lo que este siente al pasar por los lugares y espacios de la ciudad que trato. Esto lo he hecho mediante la representación de limitaciones en el suelo que nos representan como individuos dentro de nuestra sociedad.
He construido espacios o barreras(siempre dibujadas en el suelo), que hacen referencia a lugares que evitar, u obstáculos, de esta manera el transeunte se planteará su camino, rodeando una mancha en el suelo, o siguiendo una línea que trazaré en el mismo; hacer caso o no de mis alteraciones hará que su rumbo o su percepción del camino cambie de alguna manera.
Así, represento tanto los limites impuestos por nuestra sociedad, como los que uno mismo se impone al caminar; estos son los que evitan distraerse del objetivo final de un camino, que suele ser la llegada.
Sigo utilizando la tiza para crear los limites y espacios. Como con una simple línea puede afectar al transeúnte como si de una pared se tratase, o no, depende de la concentración que cada uno lleve en sus pasos.
La tiza es un material con el que trabajo mucho por su simple composición, que no es mas que la de polvo apretado, la levedad del material y la carga visual que tiene su uso no parece estar compensado, a pesar de lo efímero que resulta este en la vía pública, en la intemperie.
Al ser un material que remite a la enseñanza, creo que subconscientemente puede evocar un sentimiento de respeto, a la vez que de juego.
Las alteraciones que realizo, no me sirven para recrearme estéticamente, son puras señales, líneas que se juntan o que acaban para decir algo.
Además de la tiza, he utilizado harina con el mismo gesto, haciendo mas visible mi trabajo, efímero de igual modo.
Por otra parte, el resultado, y el documento fotográfico que presento, las modificaciones en la calle, pueden verse, desde lejos como una practica estética de forma individual, ya que su formación ha sido la del dibujo, la línea, y tanto lo que representan como la sencillez del trazo, es gustoso de ver.
MIS INTENCIONES:
La creación de espacios nuevos en lugares públicos es algo que esta al alcance de todos, y a la vez parece una misión imposible para muchos dentro de nuestro sistema, ya que parece que al crear un espacio este tenga que pertenecer a alguien. Lo que trato es de crear contra espacios, no son espacios para estar, sino mas bien para no estar, para evitar, o para no ser evitados, pero siempre con ánimo de “paso”.
Mantengo la idea de que mi trabajo se realiza en un lugar público, “de todos”, jugando con la idea de lo público y de lo que no lo es. ¿Si la calle es pública, podemos retocarla? Esta pregunta hace replantearme hasta que punto uno puede sentise cómodo en la calle.
Si la calle es de todos, también es mía, y estoy en el derecho de jugar con ella e intentar que la gente juegue con migo o con la calle, ya que mi trabajo se centra en retocarla para que la gente cambie su percepción.
La creación de espacios hace que el lugar cambie, y que posiblemente nadie vea de la misma manera ese suelo liso y sin alteraciones, cuando mi trabajo se borre por el simple paso del tiempo.
Solamente cambio el espacio de manera visual, no propongo nuevos olores para determinados sitios, ni construyo obstáculos materitos, solo doy una apariencia distinta a la calle por la que pasa la misma gente todos los días.
Otra intención que me planteo con este proyecto es la de delimitar zonas sin crear verdaderos espacios, tan solo dividiendo el espacio público. Ni para unos ni para otros, para todos, pero de forma distinta.
La conquista de espacios como práctica estética y actividad moral.
Espero que os guste, y podáis criticar mis prácticas.
un saludo.
sábado, 27 de agosto de 2011
"Y la nave va"
Pelicula de Federico Fellini, del año 1983, en la que transcurre una historia de 1914, con un fantástico principio mudo que realmente transporta al expectador.
De como un barco fúnebre y lujoso, cargado de admiradores de la mejor cantante de opera, llevan sus restos para cumplir su última voluntad, ser arrojada frente alas costas de su querida isla natal.
La exageración de Fellini, se manifiesta en la cruda comparación y convivencia de por un lado la refinada, burlesca y bizarra burguesía admiradora, que acompañan los restos mortales de la cantante de ópera Edmea Tetua, y por otro lado la vida bajo cubierta de los empleados del barco, en la sala de maquinas por ejemplo, a los que posteriormente se unirán unos refugiados servios que son recogidos por la nave, y son separados de los primeros por su clara situación desfavorable. Todos ellos, ademas de protagonizar insólitas y casi surrealistas situaciones, hallarán un destino común.
Como escena increíble nombro en la que la élite que representan los pasajeros bajan a la sala de maquinas acompañados por el capitán para ser enseñada, y entre el ruido, la envidia, la codicia, y la petición de los trabajadores del submundo, empiezan a cantar opera para su deleite.
Temas como el color del sonido, que una condesa ciega asegura ver al oír, dan mas fuerza visual a esta película llena de momentos musicales.
Momento en el que aparece un rinoceronte dentro de las tripas de la nave. Como si fuese normal y lógico que un rinoceronte estuviese allí, Fellini hace plantear al molesto grupo de pasajeros como a la tripulación el repentino problema del mal olor de las heces de un rinoceronte en mitad de tan estravagante tarea(la de cumplir la voluntad de Edmea Tetua). Se decide sacar al rinoceronte a un fueraborda para que se airee ya que asegura su cuidador que necesita aire fresco. El rinoceronte vuelve a salir en una reveladora escena en la que se asegura que su leche es buenísima.
Muchos son los elementos que construyen la atmósfera escenográfica, bajo la cual la acción deja envolverse, permitiendo evidenciar que sólo el espíritu de lo que se quiere contar es real.
Se comprueba fácilmente que el gigantesco transatlántico no es más que un decorado ingenioso y detallado, que el mar por el que se navega es una buena combinación de telas y movimiento, que no deja de ser mar por otro lado. Hay un momento genial en el que dos mujeres que contemplan el crepúsculo comentan su belleza comparándola con una maqueta; un comentario inocente pero muy irónico.
Cada camarote es un verdadero cuadro, son dignos de comentar uno por uno, con inquietantes y sorprendentes imágenes colgadas en su interior.
El mérito escenográfico de "Y la nave va", en gran parte se debe al director artístico Dante Ferreti, que creo que es importante nombrarlo.
Construida de esta manera, la película demuestra la esencia imaginativa del cine, en la que lo ficticio emerge por encima de la realidad, sin para ello tener que representarla de forma imitativa, demostrando de igual modo, o mas aún la visión dramática o metafórica de esta.
Federico Fellini habla de la película después de que esta este terminada, de que lo que en un principio quería hacer se ha disuelto, quedando tan solo la película. Cosa que suele pasar en muchos casos, lo importante es lo que se crea, dejando atras las primeras ideas de lo que se quiere hacer.
Desde luego voy a volver a ver esta película, porque no me habré quedado ni con la mitad de guiños que el director quiso hacer a su público. Personalmente me ha encantado.
un saludo.
De como un barco fúnebre y lujoso, cargado de admiradores de la mejor cantante de opera, llevan sus restos para cumplir su última voluntad, ser arrojada frente alas costas de su querida isla natal.
La exageración de Fellini, se manifiesta en la cruda comparación y convivencia de por un lado la refinada, burlesca y bizarra burguesía admiradora, que acompañan los restos mortales de la cantante de ópera Edmea Tetua, y por otro lado la vida bajo cubierta de los empleados del barco, en la sala de maquinas por ejemplo, a los que posteriormente se unirán unos refugiados servios que son recogidos por la nave, y son separados de los primeros por su clara situación desfavorable. Todos ellos, ademas de protagonizar insólitas y casi surrealistas situaciones, hallarán un destino común.
Como escena increíble nombro en la que la élite que representan los pasajeros bajan a la sala de maquinas acompañados por el capitán para ser enseñada, y entre el ruido, la envidia, la codicia, y la petición de los trabajadores del submundo, empiezan a cantar opera para su deleite.
Temas como el color del sonido, que una condesa ciega asegura ver al oír, dan mas fuerza visual a esta película llena de momentos musicales.
Momento en el que aparece un rinoceronte dentro de las tripas de la nave. Como si fuese normal y lógico que un rinoceronte estuviese allí, Fellini hace plantear al molesto grupo de pasajeros como a la tripulación el repentino problema del mal olor de las heces de un rinoceronte en mitad de tan estravagante tarea(la de cumplir la voluntad de Edmea Tetua). Se decide sacar al rinoceronte a un fueraborda para que se airee ya que asegura su cuidador que necesita aire fresco. El rinoceronte vuelve a salir en una reveladora escena en la que se asegura que su leche es buenísima.
Muchos son los elementos que construyen la atmósfera escenográfica, bajo la cual la acción deja envolverse, permitiendo evidenciar que sólo el espíritu de lo que se quiere contar es real.
Se comprueba fácilmente que el gigantesco transatlántico no es más que un decorado ingenioso y detallado, que el mar por el que se navega es una buena combinación de telas y movimiento, que no deja de ser mar por otro lado. Hay un momento genial en el que dos mujeres que contemplan el crepúsculo comentan su belleza comparándola con una maqueta; un comentario inocente pero muy irónico.
Cada camarote es un verdadero cuadro, son dignos de comentar uno por uno, con inquietantes y sorprendentes imágenes colgadas en su interior.
El mérito escenográfico de "Y la nave va", en gran parte se debe al director artístico Dante Ferreti, que creo que es importante nombrarlo.
Construida de esta manera, la película demuestra la esencia imaginativa del cine, en la que lo ficticio emerge por encima de la realidad, sin para ello tener que representarla de forma imitativa, demostrando de igual modo, o mas aún la visión dramática o metafórica de esta.
Federico Fellini habla de la película después de que esta este terminada, de que lo que en un principio quería hacer se ha disuelto, quedando tan solo la película. Cosa que suele pasar en muchos casos, lo importante es lo que se crea, dejando atras las primeras ideas de lo que se quiere hacer.
FELLINI
Desde luego voy a volver a ver esta película, porque no me habré quedado ni con la mitad de guiños que el director quiso hacer a su público. Personalmente me ha encantado.
un saludo.
viernes, 26 de agosto de 2011
Leyes de la Gestalt.
La percepción es uno de los procesos fundamentales a la hora de analizar imágenes. A lo largo de la historia algunos autores han exagerado dicha importancia hasta convertir el estudio de la forma y la percepción en el único método de acercamiento a la obra de arte. Fueron los psicologos de la escuela de la Gestalt los que marcaron las pautas a seguir basandose en nuestras experiencias estéticas de la psicología del receptor.
Estas pautas se convirtieron en leyes que marcaron un esquema de clasificación de imágenes que es muy útil para componer, pero que no abarcan todo lo que una obra de arte pueda transmitir. Hoy en día debemos tener en cuenta los significados, aspectos culturales y económicos de la época para entender , dentro de su contexto la obra.
Aun así un análisis formal de los elementos físicos de la obra nos puede ayudar a entender su lenguage y a crear cierto orden en la composición.
Las leyes de la Gestalt siguen vigentes hoy en día, pero mas orientadas a la publicidad y al diseño grafico, ya que se basan en ellas para llegar de una manera directa al receptor, en estos casos las composiciones tienen como finalidad vender un producto. Asi que diriamos que esta mejor aplicado al fin publicitario que al arte. Aunque el arte tiene que tener unas bases compositivas, debe ser mas trascendental.
Algunos ejemplos de el uso de las leyes de la Gestalt, o leyes de percepción utilizados en la publicidad:
En esta imagen publicitaria de Burguer King, se ha aplicado perfectamente la ley de la Figura y el Fondo, en la que resalta la amburguesa, que sería la figura, quedando por encima del resto, que sería el fondo.
Estas pautas se convirtieron en leyes que marcaron un esquema de clasificación de imágenes que es muy útil para componer, pero que no abarcan todo lo que una obra de arte pueda transmitir. Hoy en día debemos tener en cuenta los significados, aspectos culturales y económicos de la época para entender , dentro de su contexto la obra.
Aun así un análisis formal de los elementos físicos de la obra nos puede ayudar a entender su lenguage y a crear cierto orden en la composición.
Las leyes de la Gestalt siguen vigentes hoy en día, pero mas orientadas a la publicidad y al diseño grafico, ya que se basan en ellas para llegar de una manera directa al receptor, en estos casos las composiciones tienen como finalidad vender un producto. Asi que diriamos que esta mejor aplicado al fin publicitario que al arte. Aunque el arte tiene que tener unas bases compositivas, debe ser mas trascendental.
Algunos ejemplos de el uso de las leyes de la Gestalt, o leyes de percepción utilizados en la publicidad:
En esta otra imagen publicitaria, en este caso de la marca Smirnoff, la ley del Camuflage, señala que un elemento puede estar oculto en otro y tiende a percibirlo como un todo. Este efecto que tiende a homogeneizar la figura y el fondo, es muy usado en la publicidad para incorporar o encubrir elementos, objetos o formas que no son percibidas a simple vista.
En obras de arte, como lo puede ser un cuadro de Dalí, "La Caravela", pintura surrealista, en la que la ley de pregnancia o de la buena forma, alude a que la percepción se organiza del modo mas simple para ser captado. En un primer momento, se perciben elementos sueltos por su detalle, que hacen que el cuadro adquiera significados diferentes, pero que sin la totalidad de estos elementos no habría el mismo significado en conjunto.
Repasando las leyes de la percepción, puede uno agudizar el ojo a la hora del avasallamiento publicitario al que estamos sometidos en nuestra sociedad, pensado para guiarnos mayoritariamente por caminos dirigidos al consumismo.
Un saludo.
jueves, 25 de agosto de 2011
la iconicidad y la abstracción
Este es un tema del que junto a las leyes de la gestalt trato de servirme para analizar las imágenes que capturo o encuentro.
Las imágenes pueden representar cosas que existen en la realidad o cosas que nunca han existido como una entidad real. De ahí podemos comparar el grado de iconicidad o el grado de abstracción. A. Moles realizó una escala para poder clasificar según el grado de iconicidad y abstracción de una imagen. Cuando una imagen tiene el grado de iconicidad muy alto, diremos que es muy parecida a la realidad sin embargo, cuando una imagen tiene el grado de iconicidad muy bajo la abstracción es máxima y por lo tanto es lo mas alejado a la realidad.
Las imágenes pueden representar cosas que existen en la realidad o cosas que nunca han existido como una entidad real. De ahí podemos comparar el grado de iconicidad o el grado de abstracción. A. Moles realizó una escala para poder clasificar según el grado de iconicidad y abstracción de una imagen. Cuando una imagen tiene el grado de iconicidad muy alto, diremos que es muy parecida a la realidad sin embargo, cuando una imagen tiene el grado de iconicidad muy bajo la abstracción es máxima y por lo tanto es lo mas alejado a la realidad.
"El concepto de iconicidad se refiere al hecho de que una imagen es la imagen de un objeto real. Un símbolo es un signo que retiene en muy poca medida, elementos del objeto que designa; en otros terminos, se le parece muy poco"
A. Moles.
Así que, el grado mas alto de iconicidad de un objeto, lo tiene el objeto en si mismo. Cuanto mas abstracta sea la imagen con repecto al objeto que representa menos íconica es.
“Una fotografía en color es más icónica que una fotografía en blanco y
negro; un retrato es más icónico que una caricatura .. un mapa o el plano
de una ciudad son menos icónicos que una fotografía aérea; un esquema,
un diagrama o un organigrama apenas son icónicos de aquello que
representan; una fórmula química o matemática o una página escrita son
todavía menos icónicos, menos semejantes a lo que representan -grado
cero de iconicidad- (...)"
Joan Costa, Imagen pública. Una ingeniería social, Fundesco. Claves de Comunicación Social, Madrid,
1992, página 65.
Por ejemplo, esta imagen, no deja de tener el nivel de iconicidad alto, ya que visualmente a primera vista, representa lo que es, un trozo de pared dibujada, a pesar de que en un contexto artístico su significado sea otro que el de una mera representación de una parte de un objeto identificable, acercándose a la abstracción. Entonces la escala de iconicidad no abarca todo lo que uno ha querido transmitir, faltaría una explicación dentro del contexto en el que la expongo para que la imagen pueda leerse de manera correcta.
Este ha sido un análisis personal, que me sirve para pensar en el impacto de mi proyecto: rastros, del que he hablado en una entrada anterior; en el impacto que causa o no la imagen que proyecto en la calle, haciéndola implícita en la imagen de calle. De manera que sigue siendo una imagen con un grado de iconicidad alto ya que es una representación realista, y no cambia la mirada del espectador, el transeúnte, de una manera.significativa.
La imagen en si, que presento no puede representar la accion del rastro que me he propuesto, ya que se camufla, pasando a formar parte de una pared totalmente realista sacada de contexto, representando solo el objeto.
Un saludo
miércoles, 24 de agosto de 2011
proyecto personal: EL RASTRO.
Desde hace tiempo, los conceptos de el rastro, el camino, los lugares(sitios donde se acumulan sentimientos) y el cuerpo que camina, han sido puntos claves para mi trabajo personal, y en colectivo (colectivo Caminosos, www.caminosos.com).
El camino potencia los sentidos, en el camino se pueden ver, oir y tocar cosas que no podrías sentir estando quieto por ejemplo.
Vinculo el cuerpo con el dibujo a través del rastro que involuntariamente dejarnos a nuestro paso, porque el dibujo es un modo de expresión muy directa, y que a mi personalmente me satisface.
La “agresión” que nuestros cuerpos dejan a su paso, nos hace pensar en el paso del tiempo, a como esos lugares han sido vividos. La experiencia que dejamos en los lugares a nuestro paso, diferentes cuerpos a diferentes tiempos que se comunican bajo un rastro común.
La forma en la que se desgastan estos espacios comunes aluden a marcas, dibujos que delimitan y generan nuevos espacios espontáneos, que no dejan de crecer, mutan según acumulan con el paso del tiempo. Hay ocasiones que es necesario forzar la mirada para reconocer las señales vitales que han dejado los cuerpos. Mientras caminas, puedes encontrar una barandilla que toma brillo por el roce, los escalones se desgastan, y en los recovecos de la ciudad se acumulan “pistas” sobre lo que se ha vivido en ellos. Este volver la mirada al rastro para indicarlo y dignificarlo es un punto de partida del proyecto, señalando la posible repercusión involuntaria y liosa de los actos que nuestros cuerpos realizan, actos que se transforman en rastros efímeros que vagan por las calles totalmente indefinidos.
El camino potencia los sentidos, en el camino se pueden ver, oir y tocar cosas que no podrías sentir estando quieto por ejemplo.
Vinculo el cuerpo con el dibujo a través del rastro que involuntariamente dejarnos a nuestro paso, porque el dibujo es un modo de expresión muy directa, y que a mi personalmente me satisface.
La “agresión” que nuestros cuerpos dejan a su paso, nos hace pensar en el paso del tiempo, a como esos lugares han sido vividos. La experiencia que dejamos en los lugares a nuestro paso, diferentes cuerpos a diferentes tiempos que se comunican bajo un rastro común.
La forma en la que se desgastan estos espacios comunes aluden a marcas, dibujos que delimitan y generan nuevos espacios espontáneos, que no dejan de crecer, mutan según acumulan con el paso del tiempo. Hay ocasiones que es necesario forzar la mirada para reconocer las señales vitales que han dejado los cuerpos. Mientras caminas, puedes encontrar una barandilla que toma brillo por el roce, los escalones se desgastan, y en los recovecos de la ciudad se acumulan “pistas” sobre lo que se ha vivido en ellos. Este volver la mirada al rastro para indicarlo y dignificarlo es un punto de partida del proyecto, señalando la posible repercusión involuntaria y liosa de los actos que nuestros cuerpos realizan, actos que se transforman en rastros efímeros que vagan por las calles totalmente indefinidos.
La frescura de estos rastros posee un valor que es inigualable e incalculable ya que son siempre únicos, a pesar que para los que los originan, personas que pasan a diario por el mismo lugar este desgaste que revindico sea solamente mierda.
Me encuentro con que nuestros cuerpos tienen necesidad de hacerse notar con pequeñas huellas o marcando su presencia mediante rastros ante otros cuerpos a pesar de que nos han enseñado desde pequeños a intentar pasar desapercibidos en la medida de lo posible si esto es lo que deseamos.
Los movimientos que pasan desapercibidos que se ejecutan de manera inconsciente pasan a ser controlados, retornan a nosotros para convertir acciones naturales en actuaciones conscientes y razonadas.
Es decir, minimizar la cantidad de actos involuntarios haciendo ver que controlamos la mayoría de nuestras acciones naturales animales que no suelen estar ligadas a la sociabilización occidental y a lo políticamente educado. NOS EDUCAN PARA NO DEJAR RASTRO.
Ahora el movimiento cotidiano queda convertido en un gesto artístico. Voy detrás del cuerpo.
No quiero dar forma ni nombre a estos rastros tan solo señalarlos, hacerlos visibles en contraposición con los rastros anónimos. Mediante la utilización de una tiza he marcado mi rastro por las calles del centro de Madrid mientras camino. La tiza supone dejar una marca que se deshace a nuestro paso y con el tiempo vuelve a desaparecer, retornando al gesto sin firma. La levedad del material, prácticamente polvo blanco nos remite a la inocencia de la infancia, donde un gesto no traía repercusión alguna.
Trato la tiza sobre la pared como si esta no fuera a repercutir en nada, ni para bien ni para mal, aunque así lo haga.
Por lo tanto recurro a la utilización de la tiza para representar de una forma compleja la espontaneidad de los movimientos inconscientes cambiando el medio a mi paso.
Estos recorridos están centrados en la calle, para que el enfoque callejero invite a que uno pueda apreciar mi posición desde cualquier lugar de su ciudad, conviviendo con la confluencia de rastros de distintos cuerpos cruzados en tiempos diferentes.
Este proyecto esta actualmente en marcha, y mi intención es continuar reflexionando sobre la actuación del cuerpo en la calle, su rastro, sus restos, sus limitaciones, y su clara y no tan clara visibilidad.
Un saludo.
domingo, 14 de agosto de 2011
Arte, atracción turística.
Estos días he estado con mi familia cerca de San Sebastian, y no he podido evitar pasar por la capital gipuzcoana, y no solo porque el autobús que me trajo desde Madrid me dejara allí.
Hay muchas cosas que ver y por donde pasear, como el Peine de los Vientos, que para el que no haya estado se lo recomiendo, es una obra instalación hecha en colaboración por Eduardo Chillida y el arquitecto luis Peña Ganchegui, y es un verdadero espacio de diálogo entre el mar, el viento, el hierro y las rocas. Uno se siente bien ahí.
Peine de los vientos.
También pude ir a ver el Kursaal, Palacio de Congresos obra de Rafael Moneo, que se unió al Guggenheim bilbaíno para prestigiar la arquitectura moderna en el territorio Vasco, se compone de dos enormes cubos translúcidos que acogen polivalentes espacios, desde un auditorio hasta salas de reunión y de exposiciones.
La sala de exposiciones de el Kursaal se llama Kubo Kutxa, y en estos momentos se exhibe la obra de Marc Chagall, un artista ruso que vivió gran pate de su vida en Francia; se le conoce como el artista francés de origen ruso(1887-1985), la compleja historia europea del s.XX le llevó a exiliarse y a peregrinar durante su vida, pero se puede ver en su obra, y en las explicaciones de estas, que siguió muy unido a su pueblo natal, su temática refleja las tradiciones judías de este, casi en todo momento, todo mezclado con su visión de los los sueños y de lo fantástico.
Marc Chagall, litografía, AuxFleurs from the Derrére le Miroir. 1954.
Se habla de Chagall como un artista multidisciplinar, ya que tocó “palos” como la cerámica, el relieve, los mosaicos, la vidriera, y hasta el diseño de puestas en escena de teatro y ópera, y se le trata como uno de los grandes y mas relevantes artistas del s.XX.
Yo, admirador suyo en algunas de sus obras, impresionado verdaderamente por el color y las formas semi-naif de los personajes y animales que integra en escenas desencajadas y llenas de historias , y sin ser un entendido, me siento un poco cansado de leer lo mismo de tantos artistas relevantes del siglo pasado. Seguro que fue un grande, y tomó su propio camino pasando por todos los estilos, pero mas que un artista y su obra, parece un atractivo turístico, algo que enriquece a Gipuzcoa (como pone en el panfleto de la exposición); poco a poco, si no es ya así, nos gustaran y nos parecerán buenos o malos los artistas dependiendo de la publicidad ya no solo de los medios, también de la entrada de los museos o salas de exposiciones como las KuboKutxa. Me imagino a un animador con chistera en la puerta de un museo o una galería insistiendo y gritando a los transeúntes:
-¡pasen y vean! , el Magnífico, el verdadero reflejo de lo onírico, uno de los ms grandes, si no es el mas grande de los pintores del s.XX (siglo muy atractivo), ¡ un artistazo !, ¡ no se lo pierdan !, ¡ pasen y vean !, ¡ aquí esta el mejor arte!.
Seguro que me estoy pasando, pero creo en el gusto personal de cada uno, y no me gusta que me den hecho así, de primeras, una valoración tan cerrada y grandiosa, aunque sea de un experto en el tema.
Un Saludo
jueves, 11 de agosto de 2011
animaciones montadas.
Mis animaciones de verano:
Esta primera se llama "moneda culo, moneda culo",y apoya una conversación en el documental en el que estoy trabajando que habla de la industrialización de la sexualidad.
Esta segunda animación refleja la salida del armario de una de las protagonistas del documental.
Espero que os gusten, iré subiendo mas cuando las tenga terminadas.
un saludo.
lunes, 1 de agosto de 2011
Los toros, la Taurpomaquia, fiesta, cultura, ética y estética.
NOTICIA.
"Los toros" han pasado de depender del Ministerio del Interior al Ministerio de Cultura, el sector del toreo parece estar muy contento, ya que se establece una linea de coherencia en el tema, pues se han concedido medallas a las bellas artes a afamados toreros, a los cuales se les ha negado a su vez la condición de artistas.
Pero parece que este paso de los toros a cultura, no deja de ser una maniobra política, al formalizarse como el cumplimiento de una promesa hecha por el ahora candidato Alfredo Perez Rubalcaba.
Qué cambiará? poca cosa, a parte de un acercamiento del sector a los politicos que han cumplido su promesa. Aunque a nivel estético a dado un salto al combertirse en su totalidad en un evento cultural.
Yo llevo tiempo queriendo ir a una corrida de toros, personalmente, y dejando de lado la barbaridad que se le hace al animal, me parece esteticamente genial.
Os pongo una foto de una serigrafía que hice el año pasado. TORO, CAPA Y ARENA.
olé.
Un saludo.
"Los toros" han pasado de depender del Ministerio del Interior al Ministerio de Cultura, el sector del toreo parece estar muy contento, ya que se establece una linea de coherencia en el tema, pues se han concedido medallas a las bellas artes a afamados toreros, a los cuales se les ha negado a su vez la condición de artistas.
Pero parece que este paso de los toros a cultura, no deja de ser una maniobra política, al formalizarse como el cumplimiento de una promesa hecha por el ahora candidato Alfredo Perez Rubalcaba.
Qué cambiará? poca cosa, a parte de un acercamiento del sector a los politicos que han cumplido su promesa. Aunque a nivel estético a dado un salto al combertirse en su totalidad en un evento cultural.
Yo llevo tiempo queriendo ir a una corrida de toros, personalmente, y dejando de lado la barbaridad que se le hace al animal, me parece esteticamente genial.
Os pongo una foto de una serigrafía que hice el año pasado. TORO, CAPA Y ARENA.
olé.
Un saludo.
El Bulli cierra.
El 30 de Julio el restaurante "El Bulli " cerró para dar paso a la Fundacion "el bulli", un proyecto abierto a la investigación culinaria....
Cocina y arte, un cocinero y un artista, que ha llevado la cocina a nuevos limites; su cocina ha sido comprometida e incluso objeto de burla, pero muy valorada por sus colegas.
El arte y la cocina de Ferra Adriá no es plato para cualquiera, y es la razón por la que no me dá mucha pena que cierre el restaurante y que no pueda degustar sus platos creativos y estremadamente caros.
La cocina, como una rama artística mas, ha dejado claro con el paso de Ferrá Adriá en su historia, que muchas veces no esta al alcance de todos los públicos, quizá esto cambie con la creación de la Fundación en la que supongo se enseñará y servirá para extender la curiosa forma de degustar de uno de los mejores cocineros del mundo.
Cocina y arte, un cocinero y un artista, que ha llevado la cocina a nuevos limites; su cocina ha sido comprometida e incluso objeto de burla, pero muy valorada por sus colegas.
El arte y la cocina de Ferra Adriá no es plato para cualquiera, y es la razón por la que no me dá mucha pena que cierre el restaurante y que no pueda degustar sus platos creativos y estremadamente caros.
La cocina, como una rama artística mas, ha dejado claro con el paso de Ferrá Adriá en su historia, que muchas veces no esta al alcance de todos los públicos, quizá esto cambie con la creación de la Fundación en la que supongo se enseñará y servirá para extender la curiosa forma de degustar de uno de los mejores cocineros del mundo.
trabajo de este verano
Este verano, he tenido la suerte de tener un trabajo afín a mis cualidades e intereses.
Se trata de colaborar en la creación de una pelicula-documental (largometraje) en la cual me integro como animador.
El documental habla de las dificultades que ha tenido o no una lesbiana para basicamente integrarse en nustra sociedad desde que era pequeña, siempre desde su punto de vista, y trasladado a las ciudades de berlin , londres y madrid, en donde existen mundos diferentes para las lesbianas, y viven amigas de la protagonista que mueven el tema mas allá de la cultura española.
Mi trabajo se centra en hacer animaciones para las transiciones del documental, cuando se cambia de ciudad, o cuando pasa algo significativo, como la salida del armario de una de las protagonistas, o cuando se tratan temas como el Poliamor.
Ya había hecho antes animaciónes, mas cortas, y mas libres por así decirlo, por lo que este trabajo es un verdadero reto,
también por que detrás hay un equipo profesional al que no puedo fallar, y el tiempo corre en contrarreloj.
Os voy a poner un par de imágenes de dos de las animaciones que tengo hechas, una esta relacionada con la industrialización de la sexualidad, y la otra refleja la salida del armario de una chica.
El documental todavía está en proceso de montaje, y falta meter mis animaciones para empezar a ver el conjunto definitivo y por retocar por así decirlo.
un saludo.
Se trata de colaborar en la creación de una pelicula-documental (largometraje) en la cual me integro como animador.
El documental habla de las dificultades que ha tenido o no una lesbiana para basicamente integrarse en nustra sociedad desde que era pequeña, siempre desde su punto de vista, y trasladado a las ciudades de berlin , londres y madrid, en donde existen mundos diferentes para las lesbianas, y viven amigas de la protagonista que mueven el tema mas allá de la cultura española.
Mi trabajo se centra en hacer animaciones para las transiciones del documental, cuando se cambia de ciudad, o cuando pasa algo significativo, como la salida del armario de una de las protagonistas, o cuando se tratan temas como el Poliamor.
Ya había hecho antes animaciónes, mas cortas, y mas libres por así decirlo, por lo que este trabajo es un verdadero reto,
también por que detrás hay un equipo profesional al que no puedo fallar, y el tiempo corre en contrarreloj.
Os voy a poner un par de imágenes de dos de las animaciones que tengo hechas, una esta relacionada con la industrialización de la sexualidad, y la otra refleja la salida del armario de una chica.
El documental todavía está en proceso de montaje, y falta meter mis animaciones para empezar a ver el conjunto definitivo y por retocar por así decirlo.
un saludo.
miércoles, 20 de julio de 2011
la cutrez
Para iniciarme en el mundo de los blogs, he decidido comentar el último artículo de Juan José Millas en el pais semanal(17/7/2011), se titula "Toda la cutrez del mundo", a pesar de no estar ligado directamente con el mundo del arte, hay que reconocer que una peineta bien puesta tiene algo de arte.
http://www.elpais.com/articulo/portada/Toda/cutrez/mundo/elpepusoceps/20110717elpepspor_3/Tes
En el se muestra, desde un punto de vista concreto, como en una situación específica se pueden mezclar tantas cosas in-mezclables por un político para su pueblo, aunque la mayoría de ese pueblo las admita con devoción.
El tema es el estreno de cargo de Mª Dolores de Cospedal como presidenta de Castilla la Mancha en la celebración del Corpus Christi, en la que defendió que el futuro también se conquista recordando las tradiciones y "haciendo gala de lo que somos, de lo que hemos sido y de lo que queremos ser".
La crítica a la presidenta electa de Castilla La Mancha es dura, quizás demasiado al hacer hincapié en su físico, pero también creo que la hace justicia.
Sobre la foto que se comenta, coincido con Juan José Millas en que es toda una declaración de intenciones.
un saludo.http://www.elpais.com/articulo/portada/Toda/cutrez/mundo/elpepusoceps/20110717elpepspor_3/Tes
http://www.elpais.com/articulo/portada/Toda/cutrez/mundo/elpepusoceps/20110717elpepspor_3/Tes
En el se muestra, desde un punto de vista concreto, como en una situación específica se pueden mezclar tantas cosas in-mezclables por un político para su pueblo, aunque la mayoría de ese pueblo las admita con devoción.
El tema es el estreno de cargo de Mª Dolores de Cospedal como presidenta de Castilla la Mancha en la celebración del Corpus Christi, en la que defendió que el futuro también se conquista recordando las tradiciones y "haciendo gala de lo que somos, de lo que hemos sido y de lo que queremos ser".
La crítica a la presidenta electa de Castilla La Mancha es dura, quizás demasiado al hacer hincapié en su físico, pero también creo que la hace justicia.
Lo "cutre", algo tan dificil de definir como lo "cursi", es algo que tras un previo análisis es facil de identificar.
Sobre la foto que se comenta, coincido con Juan José Millas en que es toda una declaración de intenciones.
un saludo.http://www.elpais.com/articulo/portada/Toda/cutrez/mundo/elpepusoceps/20110717elpepspor_3/Tes
martes, 19 de julio de 2011
bienvenidos a mi blog
Hola a todo el mundo.
Crear este blog tiene como finalidad hablar de arte y de todo lo que uno pueda relacionar con el arte.
querría con esto que interesados en el tema y quizá en mi propia obra puedan comentar y añadir información relevante; la crítica por supuesto sera bienvenida.
intentaré también usar este blog como complemento del blog: http://marcelodelcampo.blogspot.com/ para aquellos dispuestos a debatir e interesarse por los temas que aquí se tratan.
un saludo!!
Crear este blog tiene como finalidad hablar de arte y de todo lo que uno pueda relacionar con el arte.
querría con esto que interesados en el tema y quizá en mi propia obra puedan comentar y añadir información relevante; la crítica por supuesto sera bienvenida.
intentaré también usar este blog como complemento del blog: http://marcelodelcampo.blogspot.com/ para aquellos dispuestos a debatir e interesarse por los temas que aquí se tratan.
un saludo!!
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