Continúo alterando las calles de Coimbra.
Existen formas "invisibles" que modificadas sutilmente o no tan sutilmente, se transforman en ideas o simples reflejos de mi forma de mirar.
Saludos.
lunes, 12 de diciembre de 2011
miércoles, 7 de diciembre de 2011
ARTES PLASTICAS I
Como parte de mi proyecto final de artes Plasticas 1, estoy fotografiando mis trabajos en las ruas.
estos trabajos se centran en la utilizacion de las sombras de la noche en la ciudad , para crear nuevos espacios y remarcar estos espacios, juego con el espacio y la sombra.
Las sombras fijas, invariables, infinitas, que pueblan la ciudad de coimbra, me hacen reflexionar sobre el espacio, y el tiempo, sobre lo efimero y eterno.
martes, 30 de agosto de 2011
Goteborg
"Pandemonium: arte en tiempos de creatividad febril" es el lema de la sexta edicion de la Bienal de Goteborg, que arrancará el próximo 10 de septiembre.
El lema hace referencia al célebre poema de Jhon Milton "paradise lost" , dedicado a la ciudad creada por Satanas y sus ángeles rebeldes tras su destierro del cielo. En este poema, Milton imagina Pandemonium como un lugar pleno de caos y de confusion, pero lleno tambien de una creciente e innovadora actividad creativa.
Por lo que los proyectos seleccionados para su presentación en Goteborg reflexionaran sobre las turbulencias propias del mundo actual, sobre si esa apariencia de desorden que nos rodea es sólo una sensación o el anticipo del "caos total"; también nos haran reflexionar sobre si van en buena dirección o no las emergencias creativas a las que nos sometemos, trayendo con sigo nuevas sociedades y posibilidades.
Este laboratorio de ideas explorará formas de vida alternativas a las que no nos sirvieron. Se contará con la participacion de cuarenta artistas internacionales entre los que destacan creadores como Francis Allis, Matthew buckingham, Jimmie Durham, Liam Gillick, Florian Hecker, Isaac julien , Jhon Kelli, Ernesto Neto o Tino Sehgal.
He descubierto al artista Matthew buckingham que centra su trabajo en reflexiones sobre nuestras formas de marcar y abarcar el tiempo y sobre los límites de la percepción, en relación con la velocidad de la luz contrapuesta al lento paso del tiempo geológico. Reflexiones muy interesantes.
Y que decir de Francis Allis, que pasea, segun el reconoce, por distintas ciudades del mundo para inspirarse y tomar notas, interviniendo en una historia que inventa, de las ciudades que compone.
"La invencion de un lenguaje va pareja de la invención de una ciudad".
No creo que pueda ir a suecia para disfrutar de esta sexta edición de la Bienal de Goteborg, pero me parece muy interesante lo que se puede exponer ahí. Como lo que debió de cocerse en el Pandemoniun de Milton.
un saludo.
El lema hace referencia al célebre poema de Jhon Milton "paradise lost" , dedicado a la ciudad creada por Satanas y sus ángeles rebeldes tras su destierro del cielo. En este poema, Milton imagina Pandemonium como un lugar pleno de caos y de confusion, pero lleno tambien de una creciente e innovadora actividad creativa.
Por lo que los proyectos seleccionados para su presentación en Goteborg reflexionaran sobre las turbulencias propias del mundo actual, sobre si esa apariencia de desorden que nos rodea es sólo una sensación o el anticipo del "caos total"; también nos haran reflexionar sobre si van en buena dirección o no las emergencias creativas a las que nos sometemos, trayendo con sigo nuevas sociedades y posibilidades.
Este laboratorio de ideas explorará formas de vida alternativas a las que no nos sirvieron. Se contará con la participacion de cuarenta artistas internacionales entre los que destacan creadores como Francis Allis, Matthew buckingham, Jimmie Durham, Liam Gillick, Florian Hecker, Isaac julien , Jhon Kelli, Ernesto Neto o Tino Sehgal.
He descubierto al artista Matthew buckingham que centra su trabajo en reflexiones sobre nuestras formas de marcar y abarcar el tiempo y sobre los límites de la percepción, en relación con la velocidad de la luz contrapuesta al lento paso del tiempo geológico. Reflexiones muy interesantes.
Y que decir de Francis Allis, que pasea, segun el reconoce, por distintas ciudades del mundo para inspirarse y tomar notas, interviniendo en una historia que inventa, de las ciudades que compone.
"La invencion de un lenguaje va pareja de la invención de una ciudad".
un saludo.
domingo, 28 de agosto de 2011
Los JMJ, gratis al Museo del Prado
Se que han pasado ya unos días, pero una noticia que he descubierto recientemente, ha revivido en mi la indignación causada por todo lo que ha rodeado la visita del papa a Madrid.
Miles de católicos invadieron la ciudad para acudir al la Jornada Mundial de la Juventud, evento organizado por la Iglesia Catolica para reunir a los jóvenes católicos de todo el mundo. El nombre elegido para el evento ya fastidia, hace que el resto de jovenes no afines al catolicismo se plantee su condición de joven y la pertenencia a este mundo.
No quería hablar del despropósito económico ni de las razones del evento, ni si quiera del fanatismo que conlleva algo semejante.
Me gustaría solamente añadir la actuación del Museo del Prado en todo esto, que anunció que la entrada sería gratuita para todos los participantes del JMJ, cuando a día de hoy el resto de mortales, incluyendo a los estudiantes de Bellas Artes tienen que pagar por ver a Caravaggio en Madrid.
La causa directa de este hecho se debe al prestamo de los Museos Vaticanos al Prado de una importante obra de Caravaggio, "el descendimiento". Me parece injusto que den mas importancia al el interes de un catolico por ver una obra de Caravaggio, que al interes que pueda tener el restro de la humanidad.
Estoy realmente indignado.
Miles de católicos invadieron la ciudad para acudir al la Jornada Mundial de la Juventud, evento organizado por la Iglesia Catolica para reunir a los jóvenes católicos de todo el mundo. El nombre elegido para el evento ya fastidia, hace que el resto de jovenes no afines al catolicismo se plantee su condición de joven y la pertenencia a este mundo.
No quería hablar del despropósito económico ni de las razones del evento, ni si quiera del fanatismo que conlleva algo semejante.
Me gustaría solamente añadir la actuación del Museo del Prado en todo esto, que anunció que la entrada sería gratuita para todos los participantes del JMJ, cuando a día de hoy el resto de mortales, incluyendo a los estudiantes de Bellas Artes tienen que pagar por ver a Caravaggio en Madrid.
La causa directa de este hecho se debe al prestamo de los Museos Vaticanos al Prado de una importante obra de Caravaggio, "el descendimiento". Me parece injusto que den mas importancia al el interes de un catolico por ver una obra de Caravaggio, que al interes que pueda tener el restro de la humanidad.
Estoy realmente indignado.
Continuando con el proyecto de "rastros".
Algo que no comente en la otra entrada que habla de mi proyecto personal, son mis referentes artísticos, entre los que destaco a Francis Allis con sus intervenciones, y a Marc Augé al introducirme en el termino de los no lugares.
Reconstruimos imaginariamente los lugares recordando lo que sentimos al pasar por ellos.
Me intento acercar mas al espectador, al transeunte, intentando cambiar de alguna forma lo que este siente al pasar por los lugares y espacios de la ciudad que trato. Esto lo he hecho mediante la representación de limitaciones en el suelo que nos representan como individuos dentro de nuestra sociedad.
He construido espacios o barreras(siempre dibujadas en el suelo), que hacen referencia a lugares que evitar, u obstáculos, de esta manera el transeunte se planteará su camino, rodeando una mancha en el suelo, o siguiendo una línea que trazaré en el mismo; hacer caso o no de mis alteraciones hará que su rumbo o su percepción del camino cambie de alguna manera.
Así, represento tanto los limites impuestos por nuestra sociedad, como los que uno mismo se impone al caminar; estos son los que evitan distraerse del objetivo final de un camino, que suele ser la llegada.
Sigo utilizando la tiza para crear los limites y espacios. Como con una simple línea puede afectar al transeúnte como si de una pared se tratase, o no, depende de la concentración que cada uno lleve en sus pasos.
La tiza es un material con el que trabajo mucho por su simple composición, que no es mas que la de polvo apretado, la levedad del material y la carga visual que tiene su uso no parece estar compensado, a pesar de lo efímero que resulta este en la vía pública, en la intemperie.
Al ser un material que remite a la enseñanza, creo que subconscientemente puede evocar un sentimiento de respeto, a la vez que de juego.
Las alteraciones que realizo, no me sirven para recrearme estéticamente, son puras señales, líneas que se juntan o que acaban para decir algo.
Además de la tiza, he utilizado harina con el mismo gesto, haciendo mas visible mi trabajo, efímero de igual modo.
Por otra parte, el resultado, y el documento fotográfico que presento, las modificaciones en la calle, pueden verse, desde lejos como una practica estética de forma individual, ya que su formación ha sido la del dibujo, la línea, y tanto lo que representan como la sencillez del trazo, es gustoso de ver.
MIS INTENCIONES:
La creación de espacios nuevos en lugares públicos es algo que esta al alcance de todos, y a la vez parece una misión imposible para muchos dentro de nuestro sistema, ya que parece que al crear un espacio este tenga que pertenecer a alguien. Lo que trato es de crear contra espacios, no son espacios para estar, sino mas bien para no estar, para evitar, o para no ser evitados, pero siempre con ánimo de “paso”.
Mantengo la idea de que mi trabajo se realiza en un lugar público, “de todos”, jugando con la idea de lo público y de lo que no lo es. ¿Si la calle es pública, podemos retocarla? Esta pregunta hace replantearme hasta que punto uno puede sentise cómodo en la calle.
Si la calle es de todos, también es mía, y estoy en el derecho de jugar con ella e intentar que la gente juegue con migo o con la calle, ya que mi trabajo se centra en retocarla para que la gente cambie su percepción.
La creación de espacios hace que el lugar cambie, y que posiblemente nadie vea de la misma manera ese suelo liso y sin alteraciones, cuando mi trabajo se borre por el simple paso del tiempo.
Solamente cambio el espacio de manera visual, no propongo nuevos olores para determinados sitios, ni construyo obstáculos materitos, solo doy una apariencia distinta a la calle por la que pasa la misma gente todos los días.
Otra intención que me planteo con este proyecto es la de delimitar zonas sin crear verdaderos espacios, tan solo dividiendo el espacio público. Ni para unos ni para otros, para todos, pero de forma distinta.
La conquista de espacios como práctica estética y actividad moral.
Espero que os guste, y podáis criticar mis prácticas.
un saludo.
Algo que no comente en la otra entrada que habla de mi proyecto personal, son mis referentes artísticos, entre los que destaco a Francis Allis con sus intervenciones, y a Marc Augé al introducirme en el termino de los no lugares.
Reconstruimos imaginariamente los lugares recordando lo que sentimos al pasar por ellos.
Me intento acercar mas al espectador, al transeunte, intentando cambiar de alguna forma lo que este siente al pasar por los lugares y espacios de la ciudad que trato. Esto lo he hecho mediante la representación de limitaciones en el suelo que nos representan como individuos dentro de nuestra sociedad.
He construido espacios o barreras(siempre dibujadas en el suelo), que hacen referencia a lugares que evitar, u obstáculos, de esta manera el transeunte se planteará su camino, rodeando una mancha en el suelo, o siguiendo una línea que trazaré en el mismo; hacer caso o no de mis alteraciones hará que su rumbo o su percepción del camino cambie de alguna manera.
Así, represento tanto los limites impuestos por nuestra sociedad, como los que uno mismo se impone al caminar; estos son los que evitan distraerse del objetivo final de un camino, que suele ser la llegada.
Sigo utilizando la tiza para crear los limites y espacios. Como con una simple línea puede afectar al transeúnte como si de una pared se tratase, o no, depende de la concentración que cada uno lleve en sus pasos.
La tiza es un material con el que trabajo mucho por su simple composición, que no es mas que la de polvo apretado, la levedad del material y la carga visual que tiene su uso no parece estar compensado, a pesar de lo efímero que resulta este en la vía pública, en la intemperie.
Al ser un material que remite a la enseñanza, creo que subconscientemente puede evocar un sentimiento de respeto, a la vez que de juego.
Las alteraciones que realizo, no me sirven para recrearme estéticamente, son puras señales, líneas que se juntan o que acaban para decir algo.
Además de la tiza, he utilizado harina con el mismo gesto, haciendo mas visible mi trabajo, efímero de igual modo.
Por otra parte, el resultado, y el documento fotográfico que presento, las modificaciones en la calle, pueden verse, desde lejos como una practica estética de forma individual, ya que su formación ha sido la del dibujo, la línea, y tanto lo que representan como la sencillez del trazo, es gustoso de ver.
MIS INTENCIONES:
La creación de espacios nuevos en lugares públicos es algo que esta al alcance de todos, y a la vez parece una misión imposible para muchos dentro de nuestro sistema, ya que parece que al crear un espacio este tenga que pertenecer a alguien. Lo que trato es de crear contra espacios, no son espacios para estar, sino mas bien para no estar, para evitar, o para no ser evitados, pero siempre con ánimo de “paso”.
Mantengo la idea de que mi trabajo se realiza en un lugar público, “de todos”, jugando con la idea de lo público y de lo que no lo es. ¿Si la calle es pública, podemos retocarla? Esta pregunta hace replantearme hasta que punto uno puede sentise cómodo en la calle.
Si la calle es de todos, también es mía, y estoy en el derecho de jugar con ella e intentar que la gente juegue con migo o con la calle, ya que mi trabajo se centra en retocarla para que la gente cambie su percepción.
La creación de espacios hace que el lugar cambie, y que posiblemente nadie vea de la misma manera ese suelo liso y sin alteraciones, cuando mi trabajo se borre por el simple paso del tiempo.
Solamente cambio el espacio de manera visual, no propongo nuevos olores para determinados sitios, ni construyo obstáculos materitos, solo doy una apariencia distinta a la calle por la que pasa la misma gente todos los días.
Otra intención que me planteo con este proyecto es la de delimitar zonas sin crear verdaderos espacios, tan solo dividiendo el espacio público. Ni para unos ni para otros, para todos, pero de forma distinta.
La conquista de espacios como práctica estética y actividad moral.
Espero que os guste, y podáis criticar mis prácticas.
un saludo.
sábado, 27 de agosto de 2011
"Y la nave va"
Pelicula de Federico Fellini, del año 1983, en la que transcurre una historia de 1914, con un fantástico principio mudo que realmente transporta al expectador.
De como un barco fúnebre y lujoso, cargado de admiradores de la mejor cantante de opera, llevan sus restos para cumplir su última voluntad, ser arrojada frente alas costas de su querida isla natal.
La exageración de Fellini, se manifiesta en la cruda comparación y convivencia de por un lado la refinada, burlesca y bizarra burguesía admiradora, que acompañan los restos mortales de la cantante de ópera Edmea Tetua, y por otro lado la vida bajo cubierta de los empleados del barco, en la sala de maquinas por ejemplo, a los que posteriormente se unirán unos refugiados servios que son recogidos por la nave, y son separados de los primeros por su clara situación desfavorable. Todos ellos, ademas de protagonizar insólitas y casi surrealistas situaciones, hallarán un destino común.
Como escena increíble nombro en la que la élite que representan los pasajeros bajan a la sala de maquinas acompañados por el capitán para ser enseñada, y entre el ruido, la envidia, la codicia, y la petición de los trabajadores del submundo, empiezan a cantar opera para su deleite.
Temas como el color del sonido, que una condesa ciega asegura ver al oír, dan mas fuerza visual a esta película llena de momentos musicales.
Momento en el que aparece un rinoceronte dentro de las tripas de la nave. Como si fuese normal y lógico que un rinoceronte estuviese allí, Fellini hace plantear al molesto grupo de pasajeros como a la tripulación el repentino problema del mal olor de las heces de un rinoceronte en mitad de tan estravagante tarea(la de cumplir la voluntad de Edmea Tetua). Se decide sacar al rinoceronte a un fueraborda para que se airee ya que asegura su cuidador que necesita aire fresco. El rinoceronte vuelve a salir en una reveladora escena en la que se asegura que su leche es buenísima.
Muchos son los elementos que construyen la atmósfera escenográfica, bajo la cual la acción deja envolverse, permitiendo evidenciar que sólo el espíritu de lo que se quiere contar es real.
Se comprueba fácilmente que el gigantesco transatlántico no es más que un decorado ingenioso y detallado, que el mar por el que se navega es una buena combinación de telas y movimiento, que no deja de ser mar por otro lado. Hay un momento genial en el que dos mujeres que contemplan el crepúsculo comentan su belleza comparándola con una maqueta; un comentario inocente pero muy irónico.
Cada camarote es un verdadero cuadro, son dignos de comentar uno por uno, con inquietantes y sorprendentes imágenes colgadas en su interior.
El mérito escenográfico de "Y la nave va", en gran parte se debe al director artístico Dante Ferreti, que creo que es importante nombrarlo.
Construida de esta manera, la película demuestra la esencia imaginativa del cine, en la que lo ficticio emerge por encima de la realidad, sin para ello tener que representarla de forma imitativa, demostrando de igual modo, o mas aún la visión dramática o metafórica de esta.
Federico Fellini habla de la película después de que esta este terminada, de que lo que en un principio quería hacer se ha disuelto, quedando tan solo la película. Cosa que suele pasar en muchos casos, lo importante es lo que se crea, dejando atras las primeras ideas de lo que se quiere hacer.
Desde luego voy a volver a ver esta película, porque no me habré quedado ni con la mitad de guiños que el director quiso hacer a su público. Personalmente me ha encantado.
un saludo.
De como un barco fúnebre y lujoso, cargado de admiradores de la mejor cantante de opera, llevan sus restos para cumplir su última voluntad, ser arrojada frente alas costas de su querida isla natal.
La exageración de Fellini, se manifiesta en la cruda comparación y convivencia de por un lado la refinada, burlesca y bizarra burguesía admiradora, que acompañan los restos mortales de la cantante de ópera Edmea Tetua, y por otro lado la vida bajo cubierta de los empleados del barco, en la sala de maquinas por ejemplo, a los que posteriormente se unirán unos refugiados servios que son recogidos por la nave, y son separados de los primeros por su clara situación desfavorable. Todos ellos, ademas de protagonizar insólitas y casi surrealistas situaciones, hallarán un destino común.
Como escena increíble nombro en la que la élite que representan los pasajeros bajan a la sala de maquinas acompañados por el capitán para ser enseñada, y entre el ruido, la envidia, la codicia, y la petición de los trabajadores del submundo, empiezan a cantar opera para su deleite.
Temas como el color del sonido, que una condesa ciega asegura ver al oír, dan mas fuerza visual a esta película llena de momentos musicales.
Momento en el que aparece un rinoceronte dentro de las tripas de la nave. Como si fuese normal y lógico que un rinoceronte estuviese allí, Fellini hace plantear al molesto grupo de pasajeros como a la tripulación el repentino problema del mal olor de las heces de un rinoceronte en mitad de tan estravagante tarea(la de cumplir la voluntad de Edmea Tetua). Se decide sacar al rinoceronte a un fueraborda para que se airee ya que asegura su cuidador que necesita aire fresco. El rinoceronte vuelve a salir en una reveladora escena en la que se asegura que su leche es buenísima.
Muchos son los elementos que construyen la atmósfera escenográfica, bajo la cual la acción deja envolverse, permitiendo evidenciar que sólo el espíritu de lo que se quiere contar es real.
Se comprueba fácilmente que el gigantesco transatlántico no es más que un decorado ingenioso y detallado, que el mar por el que se navega es una buena combinación de telas y movimiento, que no deja de ser mar por otro lado. Hay un momento genial en el que dos mujeres que contemplan el crepúsculo comentan su belleza comparándola con una maqueta; un comentario inocente pero muy irónico.
Cada camarote es un verdadero cuadro, son dignos de comentar uno por uno, con inquietantes y sorprendentes imágenes colgadas en su interior.
El mérito escenográfico de "Y la nave va", en gran parte se debe al director artístico Dante Ferreti, que creo que es importante nombrarlo.
Construida de esta manera, la película demuestra la esencia imaginativa del cine, en la que lo ficticio emerge por encima de la realidad, sin para ello tener que representarla de forma imitativa, demostrando de igual modo, o mas aún la visión dramática o metafórica de esta.
Federico Fellini habla de la película después de que esta este terminada, de que lo que en un principio quería hacer se ha disuelto, quedando tan solo la película. Cosa que suele pasar en muchos casos, lo importante es lo que se crea, dejando atras las primeras ideas de lo que se quiere hacer.
FELLINI
Desde luego voy a volver a ver esta película, porque no me habré quedado ni con la mitad de guiños que el director quiso hacer a su público. Personalmente me ha encantado.
un saludo.
viernes, 26 de agosto de 2011
Leyes de la Gestalt.
La percepción es uno de los procesos fundamentales a la hora de analizar imágenes. A lo largo de la historia algunos autores han exagerado dicha importancia hasta convertir el estudio de la forma y la percepción en el único método de acercamiento a la obra de arte. Fueron los psicologos de la escuela de la Gestalt los que marcaron las pautas a seguir basandose en nuestras experiencias estéticas de la psicología del receptor.
Estas pautas se convirtieron en leyes que marcaron un esquema de clasificación de imágenes que es muy útil para componer, pero que no abarcan todo lo que una obra de arte pueda transmitir. Hoy en día debemos tener en cuenta los significados, aspectos culturales y económicos de la época para entender , dentro de su contexto la obra.
Aun así un análisis formal de los elementos físicos de la obra nos puede ayudar a entender su lenguage y a crear cierto orden en la composición.
Las leyes de la Gestalt siguen vigentes hoy en día, pero mas orientadas a la publicidad y al diseño grafico, ya que se basan en ellas para llegar de una manera directa al receptor, en estos casos las composiciones tienen como finalidad vender un producto. Asi que diriamos que esta mejor aplicado al fin publicitario que al arte. Aunque el arte tiene que tener unas bases compositivas, debe ser mas trascendental.
Algunos ejemplos de el uso de las leyes de la Gestalt, o leyes de percepción utilizados en la publicidad:
En esta imagen publicitaria de Burguer King, se ha aplicado perfectamente la ley de la Figura y el Fondo, en la que resalta la amburguesa, que sería la figura, quedando por encima del resto, que sería el fondo.
Estas pautas se convirtieron en leyes que marcaron un esquema de clasificación de imágenes que es muy útil para componer, pero que no abarcan todo lo que una obra de arte pueda transmitir. Hoy en día debemos tener en cuenta los significados, aspectos culturales y económicos de la época para entender , dentro de su contexto la obra.
Aun así un análisis formal de los elementos físicos de la obra nos puede ayudar a entender su lenguage y a crear cierto orden en la composición.
Las leyes de la Gestalt siguen vigentes hoy en día, pero mas orientadas a la publicidad y al diseño grafico, ya que se basan en ellas para llegar de una manera directa al receptor, en estos casos las composiciones tienen como finalidad vender un producto. Asi que diriamos que esta mejor aplicado al fin publicitario que al arte. Aunque el arte tiene que tener unas bases compositivas, debe ser mas trascendental.
Algunos ejemplos de el uso de las leyes de la Gestalt, o leyes de percepción utilizados en la publicidad:
En esta otra imagen publicitaria, en este caso de la marca Smirnoff, la ley del Camuflage, señala que un elemento puede estar oculto en otro y tiende a percibirlo como un todo. Este efecto que tiende a homogeneizar la figura y el fondo, es muy usado en la publicidad para incorporar o encubrir elementos, objetos o formas que no son percibidas a simple vista.
En obras de arte, como lo puede ser un cuadro de Dalí, "La Caravela", pintura surrealista, en la que la ley de pregnancia o de la buena forma, alude a que la percepción se organiza del modo mas simple para ser captado. En un primer momento, se perciben elementos sueltos por su detalle, que hacen que el cuadro adquiera significados diferentes, pero que sin la totalidad de estos elementos no habría el mismo significado en conjunto.
Repasando las leyes de la percepción, puede uno agudizar el ojo a la hora del avasallamiento publicitario al que estamos sometidos en nuestra sociedad, pensado para guiarnos mayoritariamente por caminos dirigidos al consumismo.
Un saludo.
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